Создание собственного фильма: съёмка, видеомонтаж, обработка и т.д.

http://compress.ru/article.aspx?id=14406
Законам операторского искусства и основам видеомонтажа посвящены целые книги, и научиться всему этому, прочитав всего лишь одну статью, невозможно в принципе, однако главные правила съемки и последующего монтажа полученных материалов лишний раз напомнить не помешает, тем более что любительский и профессиональный подходы в этом плане различаются.
Основные правила съемки

ператор-профессионал (даже если он кинодокументалист), как правило, четко знает, что именно и как он должен снимать. А любитель обычно ничего заранее не планирует и снимает как бог на душу положит. Некоторые даже возводят в культ случайную съемку, объясняя это тем, что продуманность портит впечатление от снимаемого события.
Но даже экскурсии и семейные торжества подчиняются определенной логике восприятия, и довольно забавно будет впоследствии обнаружить, что в фильме про свадьбу отсутствуют молодые, а в сюжете о дне рождения — виновник торжества.
Составляйте черновой план

Не жалейте времени на то, чтобы сделать хотя бы черновые наброски будущих съемок. Продумайте, каким должен быть ваш шедевр в окончательной версии, ведь, даже снимая семейное торжество, можно особенно выделить какие-то эпизоды и раскрыть характеры его участников. Тогда съемки будут более продуктивными, а процесс последующего монтажа — более целенаправленным и осмысленным.
Хорошие операторы всегда думают о том, как будут использовать материал при монтаже. Поэтому, даже если вы снимаете свадьбу, не уделяйте внимание исключительно людям. Снимите также цветы, различные атрибуты мероприятия и интерьер помещения, где оно проходит. Основная проблема при последующем монтаже состоит именно в нехватке таких кадров. Кстати, значительно более выразительно, чем написанные при монтаже титры, выглядят какие-то указатели места на натуре: например, сцену прибытия в конечный пункт хорошо закончить кадром с какой-то вывеской.
Кроме того, фильм о каком-либо событии станет намного интереснее, если включить в него фрагменты подготовки к данному мероприятию. Главное правило, которое следует соблюдать в ходе съемок, — это снимать столько различных вариантов, сколько позволяет время. Иногда в процессе работы приходит озарение и вы решаете сделать нечто незапланированное — как правило, именно эти кадры оказываются лучшими. Не упускайте таких моментов!
Отдельно следует упомянуть о количестве исходного видеоматериала. С одной стороны, кассеты с лентой стоят недорого, поэтому экономить на них не стоит (тем более что финальный фильм можно будет записать на DVD, а ленту использовать для других съемок). Однако если снимать все, что попадется в кадр, не задумываясь о сквозном сюжете, то возрастает риск запутаться потом при видеомонтаже — у вас просто не будет ни времени, ни желания копаться в длиннющих видеороликах с разных кассет, отыскивая там выразительные видеофрагменты и звук, который можно подложить под видеоряд. С другой стороны, начинающие видеолюбители обычно впадают в другую крайность — начинают снимать короткими отрывочками по несколько секунд, из которых потом решительно нечего выбрать. Так что снимайте побольше, но обдуманно — в конце концов, ведь даже при съемке великих кинокартин множество фрагментов потом никак не используется.
Держите кадр и не экономьте пленку

Что касается количества снимаемого материала, то рекомендуем придерживаться золотой середины. Но если уж сцена для съемки выбрана, то держать кнопку записи на ней нужно с солидным запасом. Возьмите себе за правило: при съемке какого-либо, даже незначительного на первый взгляд объекта необходимо держать запись еще секунд пять уже после того, как вам захочется выключить камеру. Благодаря этому вы обеспечите себе больше возможностей для монтажа. А для оживления фильма очень пригодится одновременная съемка с другой видеокамеры (для этого можно скооперироваться с друзьями или знакомыми). Если же видеокамера только одна, то переснимите ту же сцену с другой точки, под другим углом зрения. Тогда к моменту монтажа вы будете располагать несколькими вариантами, которые можно будет компоновать вперемежку, чтобы результат получился более «живым» и профессиональным. И уж если вам в голову пришла новая идея, ракурс или сцена, то пойдите и снимите ее, не жалея пленки!
Пользуйтесь штативом

Штатив для видеосъемки — вещь просто обязательная. Даже если не все фрагменты удается снять со штатива, то, перемежая при монтаже съемки со штатива и с руки, вы все равно получите более выразительное и профессиональное видео. Во-первых, материалы, отснятые со штатива, лучше смотрятся, а во-вторых, неустойчивое изображение, которое получается при съемке с руки, хуже поддается компрессии. Возможно, в некоторых музыкальных клипах или рекламных роликах дрожание камеры используется как художественный прием, но даже в этом случае оно сильно утомляет. Так что сделайте подарок не только себе, но и своим будущим зрителям — приобретите удобный штатив.
Не трогайте трансфокатор

Одна из грубейших ошибок, которую делают при съемке начинающие видеолюбители, — злоупотребление приближением/удалением объектов (то есть частое использование такого инструмента, как трансфокатор, или ZOOM). Новички почему-то искренне считают, что использование наездов или панорамирования заметно оживляет съемку, а потом удивляются, что полученное таким образом видео очень трудно смотреть.
Правильнее было бы нажимать кнопку ZOOM, как на фотоаппарате, — только для того, чтобы откадрировать сцену, а потом при съемке лучше вообще ее не трогать. Если же нужен крупный план, то нужно приостановить съемку, приблизить объект (или просто подойти к нему поближе) и начать снимать новый фрагмент. Не забывайте, что на максимальном удалении или приближении (то есть в крайних положениях трансфокатора) объектив меняет свои оптические характеристики: вы получаете либо короткофокусный (широкоугольный) объектив, глубина резкости которого максимальна, либо длиннофокусный объектив (телевик), глубина резкости которого минимальна. В первом случае в фокусе будут находиться объекты не только переднего, но и заднего плана, что иногда отвлекает от восприятия основной сцены, а у длиннофокусного объектива глубина резкости, напротив, настолько мала, что ошибка в фокусировке может привести к нечеткости всего кадра. Кроме того, чем больше фокусное расстояние, тем сильнее проявляется тряска камеры при съемке без штатива. Однако длинный фокус может быть полезен, если вы хотите, чтобы предмет съемки был в фокусе, а фон — размытым (что используется, например, при портретной съемке крупным планом). Если же вы хотите исключить ошибки фокусировки и добиться того, чтобы все детали в кадре были резкими, а сцена приобрела дополнительную глубину, то пользуйтесь коротким фокусом. А для того, чтобы не менять фокуса для кадрирования сцены, можно просто подойти поближе или отойти подальше от объекта съемки, не пользуясь при этом трансфокатором.
Если же вы все-таки решили прибегнуть к движению камеры (будь то панорамирование, изменение фокусного расстояния или просто следование за объектом), то старайтесь вести камеру как можно медленнее. Кроме того, фокус и баланс белого при панорамировании и наезде необходимо фиксировать вручную во избежание возможных нарушений работы автофокусировки и нежелательного изменения цветов при автоматическом балансе белого.
Помимо неприятно быстрого движения кадра, потери фокусировки и изменения цветов при использовании трансфокатора в динамике, вы можете в спешке отрезать чью-то голову или неудачно откадрировать финальную сцену, испортив таким образом весь сюжет. Исправить такие погрешности, к сожалению, уже невозможно! Кстати, не забывайте о том, что края кадра на бытовом телевизоре обязательно обрежутся, поэтому не доводите важные части сцены до границы видоискателя. Однако и оставлять слишком большие поля тоже неразумно. Работу профессионала всегда можно узнать по тому, насколько удачно скадрирована сцена и какую долю в кадре занимают значимые объекты. Если вам удастся исключить из кадра то, что не несет никакой информации, то видео получится более выразительным. И вообще, старайтесь избегать средних планов — чем план крупнее, тем лучше смотрится видео (исключение составляют только общие планы каких-либо видовых съемок).
Следите за фоном

Нет ничего неприятнее отвлекающих внимание деталей в кадре, а также перегруженного или движущегося фона, поэтому выбирайте фон тщательно. Помните, что у камеры нет бокового зрения, поэтому картинка на экране будет напоминать скорее вид из амбразуры танка, нежели то, что вы видели при съемке. В результате многое из отснятого может быть непонятно зрителю. Кстати, для увеличения угла зрения, если вы часто снимаете в небольших помещениях, пригодится широкоугольная насадка. Проблемы фона она, конечно, не решает, но позволяет избавиться от тесноты.
Кроме того, перегруженный или движущийся фон хуже поддается компрессии. Конечно, фон не должен быть совсем уж серым и однообразным (цвет делает фон более привлекательным), но в его цветовом решении должна быть какая-то однотонность и уравновешенность.
Подбирайте освещение

Не забывайте, что хорошее освещение способно значительно улучшить качество съемки. Поэтому если вы снимаете в помещении, то оптимальный осветительный комплект должен включать не менее трех источников. Базовая схема освещения для художественной съемки состоит из основного источника, размещенного близко к камере; заполняющего света, направленного на предмет съемки и расположенного с другой стороны от камеры; и заднего, или контрового, света, который находится за предметом съемки и предназначен для того, чтобы он не сливался с фоном (этот источник иногда называют рисующим). Кстати, во время съемки с искусственным освещением не забудьте проконтролировать баланс белого (выставить его на искусственное освещение или настроить вручную по белому листу), иначе вы рискуете получить на видео бледные или синюшные лица.
При съемках вне помещения лучше подсветить объект накамерной лампой или каким-либо отражателем. В качестве отражателя можно использовать любой белый экран или даже солнцезащитный зонтик. Сюжеты, снятые в тени без дополнительной подсветки, получаются довольно мрачными. Если же вы снимаете на ярком солнце, то внимательно следите за игрой света и тени: она может как оживить кадр, так и безнадежно его испортить. От нежелательных бликов отраженного света защищают специальные поляризационные светофильтры (UV, ND, PL). Они гасят эффекты отражения и яснее выделяют краски, а кроме того, предохраняют основной объектив от загрязнения.
[TABLE="width: 100%"]
[TR]
[TD][/TD]
[TD][/TD]
[/TR]
[/TABLE]
Приступаем к монтажу

редыдущие советы помогут вам сделать видео более совершенным и облегчат работу при монтаже материала. А теперь рассмотрим основные приемы при вводе видео в компьютер для последующего монтажа.
Расчистите жесткий диск

В идеале для записи видео следовало бы завести отдельный жесткий диск или даже два — один для исходного, а другой для финального материала. Таким образом вы оптимизируете рабочее пространство и добьетесь максимальной производительности.
Если же диск один, то нужно, по возможности, привести его в состояние максимально приспособленное к записи видео. Перед началом работы необходимо убрать с него все лишнее и провести дефрагментацию — тогда видеозапись потечет гладко и быстро.


Обтесывайте глыбу по частям

Лучше заранее просмотреть отснятый материал, чтобы при вводе порезать его на небольшие кусочки. Короткими фрагментами манипулировать куда проще, чем громоздкими. И выстраивать сцены удобнее, когда они записаны по отдельности, а не одним огромным файлом. Конечно, порезать видео можно будет и потом, уже при монтаже, но проведя его анализ на предварительном этапе, вы сохраните довольно много времени.
Проверьте полученный материал

Даже самое лучшее оборудование иногда дает сбои. Поэтому после захвата изображения с каждого отрезка видеопленки сразу прокрутите его и проверьте, нет ли в дисковой версии каких-нибудь накладок, помех или пропусков кадров. Гораздо проще сразу же перезаписать видео, чем искать нужное место на пленке, когда вы уже монтируете финальную сцену.
Не злоупотребляйте спецэффектами

Когда имеешь дело с «крутыми» видеомонтажными пакетами, в которых есть всякие наплывы-растекания и прочие эффектные штучки, ужасно трудно удержаться и не вставить их просто ради интереса. Однако такие желания нужно в себе подавлять беспощадно. Один-два эффекта впечатляют, но если вы нашпигуете ими фильм под завязку, они будут только вызывать раздражение и отвлекать внимание зрителей от основного сюжета.
Профессионалы, как правило, пользуются только появлениями/уходами в затемнение (Fade In/Fade Out) и изредка так называемыми наплывами (когда один фрагмент проявляется через другой), причем время действия таких эффектов делают максимально коротким, чтобы не отвлекать зрителя.
Итак, мы дали вам общие рекомендации по съемке и монтажу. Дальнейшие ваши действия будут зависеть от конкретной программы, которой вы воспользуйтесь. Надеемся, что наши советы помогут вам избежать ошибок, способных погубить даже хорошо продуманный проект, реализованный в самой лучшей монтажной программе. Ведь в конце концов вашу работу будут определять не используемые средства, а приобретенные навыки. Желаем, чтобы зрители по достоинству оценили ваше мастерство и не зевали при просмотре!
КомпьютерПресс 8'2005

http://video-sam.ru/montaz.html

Рассмотрим основные правила монтажа видеофильмов.

Проследим, как происходит восприятие окружающей среды человеком. При рассматривании, например, пейзажа, глаза человека непрерывно движутся, перескакивают с одного направления на другое, причем, совершенно хаотично.

Наше зрение как бы выхватывает четко увиденные куски наблюдаемого, эти куски легко определяются сознанием как элементы общего и складываются и единую картину.

Кроме того, наши глаза время от времени моргают, т.е. вообще закрываются. В такой момент происходит прерывание поступления информации из окружающей среды, но это нам вовсе не мешает воспринимать пейзаж как целостную картину.

Переводя взгляд с удаленного предмета на близлежащий, мы обязательно моргаем.

Мы так делаем постоянно, но не обращаем на это внимания, нам такой принцип работы зрения нисколько не кажется искусственным. Наоборот, именно так нам наиболее удобно наблюдать за событиями в окружающем мире, не утомляя зрение.

Кусочки пейзажа являются аналогами кадров фильма, а наше сознание занимается монтажом отдельных кусочков в целостную картину (фильм).

Психологи утверждают, что процесс поступления информации в наше сознание во всех случаях имеет прерывистый, кусочный характер. Дробление на куски необходимо для нормального хода восприятия (зрительные образы и монтаж).

---

Не используем длинный кадр

Монтаж видеофильма короткими кадрами - это одна из форм использования особенностей человеческой природы.

Одно из основных правил видеомонтажа - не делать длинные кадры, утомительные для человеческого зрения. Средняя продолжительность кадра - 5 секунд.

Можете проверить это правило, просматривая любой фильм или телепередачу.

Вы обнаружите, что редко кадры держатся более 5 с. В выпусках новостей - еще меньше, кадры могут меняться чуть ли не ежесекундно. Но быстрая смена тоже утомительна, мы не все успеваем воспринимать, поэтому, условимся - средняя продолжительность кадра 5 с.

Не воспринимайте это как догму, многие великие режиссеры использовали длинный кадр, до нескольких минут, например, Тарковский, Феллини. Если по вашему замыслу кадр должен быть длинным и ваше видео смотрится хорошо - решать Вам.

Стык кадров

Разберемся в принципах стыка соседних кадров. В монтаже изображений существуют две противоположные задачи: сделать стык кадров незаметным для зрителя и, наоборот, стыком кадров выделить что-либо, акцентировать внимание зрителя.

План - это обозначение масштаба съемки, выбор крупности объекта съемки.

Различаются следующие виды планов:

1. Деталь (например, глаз человека с бровью и частью носа).

2. Крупный план - лицо человека во весь экран.

3. 1-й средний план - часть фигуры человека, взятая в рамку кадра, чуть выше пояса.

4. 2-й средний план - фигура человека по колено.

5. Общий план - человек во весь рост располагается в кадре так, что над его головой и под его ногами остается небольшое пространство.

6. Дальний план. Фигура человека в этом случае чрезвычайно мала. Она составляет 1/7, 1/10 часть высоты кадра и меньше.

На практике чаще всего встречается деление на крупный, средний и общий планы, но для обеспечения комфортности восприятия стыка кадров необходимо учитывать обязательно все шесть.

---

Одно из главных правил монтажа - учет планов или монтаж по крупности. Установлено, что лучше воспринимаются кадры, смонтированные "через план", например, крупный со вторым средним, 1-й средний с общим.

Поставленные рядом похожие или соседние по крупности планы вызывают ощущение рывка и смотрятся плохо.

Исключением является стык детали и крупного плана, дальнего и общего плана, здесь неприятных впечатлений не возникает.

Плохо воспринимается переход между кадрами сильно различающимися по крупности, скажем, с детали на общий план. Зритель может просто потерять объект внимания.

Если перейти с дальнего плана на деталь, возникает ощущение броска на зрителя (хотя такой прием можно использовать для привлечения внимания к чему-либо).

Ориентация в пространстве

Следующее важное правило - учет ориентации в пространстве (монтаж по взгляду).

Если вы снимаете беседующих людей, то нельзя стыковать рядом кадры, снятые с разных сторон, иначе зритель потеряет ориентацию.

Или, если человек идет к нам, а в следующем кадре - от нас, нужно, чтоб камера была с одной стороны от него (по той же причине).

Это не значит, что нельзя снимать с разных сторон, главное, чтобы при монтаже такие кадры не стояли рядом. Такой переход можно осуществить через кадр, например, крупного плана снимаемого.

Освещение

Очень важным при монтаже является учет освещенности или монтаж по свету. Плохо, когда соседние кадры резко отличаются по освещенности, это, буквально, бьет по глазам.

Если вам нужно сделать переход от яркого света к затенению, поставьте между ними нейтральный кадр, чтобы смягчить переход. Подробнее опринципе монтажа по свету.

---

Избегайте скачков и рывков видео.

Будьте аккуратны, вырезая какие-то фрагменты. Ужасно смотрится, когда на одном кадре человек при ходьбе начал поднимать правую ногу, а на следующем кадре (практически, мгновенно) - поднимает уже левую. Налицо явный скачок из-за того, что кусок кадра варварски выхвачен.

Если вам обязательно нужно было вырезать данный фрагмент, просто не монтируйте такие кадры рядом, поставьте между ними другой кадр.

Если снималось какое-то длительное действие, например, интервью, то обязательно возникает необходимость вырезать какие-то неудачные фразы или ракурсы. Но если просто вырезать фразу, на стыке кадров получится скачок, ведь люди не сидят неподвижно.

Самый лучший способ избежать этого - съемка двумя камерами, в такой момент нужно поставить кадр, снятый на другую камеру. Но это вряд-ли подойдет для любительских съемок.

Второй, менее удачный способ прикрыть скачок - это наложить переход, например, вспышку. Это плохой вариант и применять его можно только в крайнем случае.

Оптимальным решением будет вставка "перебивок" - каких-то нейтральных кадров. Для этого в запас надо наснимать в помещении различных деталей, лица зрителей и т.п., и прикрывать ими рывок.

Учитывайте, что звуковая дорожка должна идти непрерывно, а перебивка закрывает только видео.

---

Не увлекайтесь эффектами.

Теперь поговорим о чувстве меры. Начинающий монтажер часто чрезмерно увлекается различными эффектами, переходами, и лепит их на каждом шагу. Ему кажется, что чем больше "красивостей" он поставит , тем профессиональнее и солиднее будет выглядеть фильм.

Все как раз наоборот. Настоящий профессионал никогда не будет злоупотреблять эффектами, чтобы показать "я это умею!" - это дурной тон.

Однажды моя коллега, дававшая открытый урок, взялась сама делать фильм для конкурса уроков. Кто-то ей "помог", и в результате, когда я посмотрела готовый фильм, то пришла в ужас: чуть ли не каждый кадр разворачивался, сворачивался в трубочку, вылетал, закручивался в спираль и т.п.

Такое безобразие на конкурс выпускать было нельзя, и я потратила массу времени, скрупулезно вырезая все эти "красивости".

Ни в коем случае в серьезном фильме не допускайте такого. Фильм должен нести информацию, стыки кадров должны быть незаметны, зрителя нельзя отвлекать на всякую ерунду, при резких переходах его внимание рассеивается.

Переход можно поставить, чтоб подчеркнуть смену событий, новый этап, главу, т.е. тогда, когда это уместно, но ни в коем случае не злоупотреблять эффектами.

Еще один пример "мастерства" создателей фильма: линейка, посвященная последнему звонку в школе. Идет панорама стоящих учеников, родителей - и поверх интенсивно сыплются золотистые искры.

Монтажеру кажется, что это очень красиво и эффектно, а то, что лиц учеников не разглядишь - наплевать.

В самый волнительный момент посреди экрана появляется здоровенная анимация колокольчика и начинает раскачиваться - действующих лиц опять не видно. Честно скажу, за такие "художества" я бы руки отрывала.

Другое дело, если вы делаете рекламный ролик, видеопоздравление, шуточный видеофильм для друзей - вот тут пожалуйста, применяйте любые эффекты, анимацию, переходы, пусть все сверкает и движется. Это уместно и эффектно.

Вообще, если вы знакомы с моим курсом "Создание видеороликов", то знаете, что создавать эффекты и переходы совсем не сложно, и это ни в коем случае не является мерилом мастерства. Поэтому призываю вас еще раз применять эффекты в меру и там, где это уместно.

Удачных вам видеофильмов!

http://rutorika.ru/blog/pravila-videosemki-i-videomontazha/

Чаще всего наши пятничные посиделки в офисе заканчиваются заливанием в соцсети коротких дурацких видеороликов о том, как мы проводили время. Мы решили, что талант нужно развивать, поэтому на прошедшей Digital-среде начали познавать азы видеосъемки и монтажа.


Основные правила видеосъемки.
1. Первая и главная проблема начинающего оператора — это дрожание и рывки камеры при съемке «с рук». Чтобы этого избежать, лучше всего пользоваться штативом или «стедикамом» (steadycam). Но поскольку это не всегда возможно, запомните основные правила:
1) не держите камеру на вытянутой руке.
2) держите двумя руками (одна под объективом, вторая держит тушку камеры).
3) при возможности используйте дополнительную опору (перила, дверной косяк и пр.).
Старайтесь не снимать на ходу, если не хотите такой результат:
2. При панорамной съемке камеру двигайте плавно, не спеша, иначе получите сплошное мелькание. В начале и конце панорамы желательна остановка камеры хотя бы на секунду. Длительность панорамы — не более 8 секунд.
Пример неправильной видеосъемки:
Пожалуйста, не заваливайте горизонт. Это не так сложно — просто держите вертикаль, ориентируясь на столбы, стены и т.п.
3. Не снимайте «длинный кадр». Лучше снимать кусками, менять планы и ракурсы, чтоб при монтаже было, из чего выбрать.
Этот кадр уже считается длинным:
Гораздо интереснее смотрится следующее видео:
4. При искусственном освещении обязательно настройте баланс белого вручную, иначе можете получить неестественные цвета. Особенно это касается лиц людей (без балансировки вас ждут желтоватые или синеватые оттенки).
Сравните следующие два видео по цвету. На первом баланс белого не был выставлен заранее, нежели на втором.
Прочие распространенные ошибки:
1) не снимайте маленьких детей или животных с высоты своего роста. Это крайне неудачный ракурс. Лучше присесть, а в некоторых случаях, даже поставить камеру на стул или пол.
2) зачастую при съемке человек забывает остановить запись или наоборот включить ее. Поэтому возьмите за правило постоянно проверять индикацию записи на экране.
Правила монтажа
План — это обозначение масштаба съемки, выбор «крупности» объекта съемки.
Различаются следующие виды планов:
1) деталь — например, глаз человека с бровью и частью носа.
2) крупный план — лицо человека во весь экран.
3) первый средний план — часть фигуры человека, взятая в рамку кадра, чуть выше пояса.
4) второй средний план — фигура человека по колено.
5) общий план — человек во весь рост располагается в кадре так, что над его головой и под его ногами остается небольшое пространство.
6) дальний план — фигура человека в этом случае чрезвычайно мала. Она составляет 1/7 часть высоты кадра и меньше.

1. Одно из главных правил монтажа — монтаж по «крупности». Установлено, что лучше воспринимаются кадры, смонтированные «через план», например, крупный со вторым средним, первый средний с общим.
Поставленные рядом похожие или соседние по «крупности» планы вызывают ощущение рывка и смотрятся плохо.

2. Монтаж по ориентации в пространстве.
В общем виде принцип монтажа двух кадров по ориентации в пространстве гласит: съемка двух объектов , взаимодействующих друг с другом, должна производиться строго с одной стороны от линии их взаимодействия. Если камеры при съемке двух беседующих людей располагать на точках, лежащих по одну сторону от линии взаимных взглядов друг на друга этих людей, то у зрителя, смотрящего на экран, сложится такое же представление о расположении двух персонажей в пространстве, как если бы он сам наблюдал в жизни это событие своими глазами. Этот принцип распространяется на все взаимодействующие объекты.
Пример: Мысленно проведем между двумя разговаривающими людьми ось АБ, называемую осью действия. При съемке парных монтажных кадров видеокамеру нельзя устанавливать позади этой линии (3). Во всех случаях необходимо придерживаться генерального направления съемки (1-2).

3. Монтаж по свету.
Очень важным при монтаже является учет освещенности, или монтаж по свету. Плохо, когда соседние кадры резко отличаются по освещенности. Если вам нужно сделать переход от яркого света к затенению, поставьте между ними нейтральный кадр, чтобы смягчить переход.
4. Монтаж по темпу движущихся объектов
Если вы монтируете кадры с движением чего-либо, например, идущих людей, то частота шагов в каждую секунду на экране должна быть одной и той же — иными словами, героям необходимо с равной частотой перебирать ногами в каждом кадре. Это относится ко всем движущимся объектам.
5. Монтаж видеофильма короткими кадрам.
Одно из основных правил видеомонтажа — не делать длинные кадры. Средняя продолжительность кадра — 5 секунд. В любом фильме кадр сменяется примерно через 5 секунд, а то и чаще. Такое видео легче воспринимается, смотрится живее и интереснее. 12-секундный кадр считается сверхдлинным и используется нечасто (хотя и допустим, если таков замысел режиссера).
6. Не увлекайтесь эффектами.
Начинающий монтажер чаще всего чрезмерно увлекается различными эффектами, переходами, и лепит их на каждом шагу. Нужно иметь чувство меры.
Но вот это видео — шедевр!

http://snimikino.com/osnovyi-tsvetokorrektsii-7-sovetov-dlya-filmmeykerov/



Цветокоррекция — это лишь один из этапов создания фильма, но какую огромную роль она играет! Самое невзрачное видео может превратиться в шедевр. А идеально отснятый материал может быть испорчен до неузнаваемости. Вам предстоит принимать тысячи решений, от которых зависит результат всей проделанной работы. И чтобы вам было это делать легче, основы цветокорреции я расскажу в 7 советах для филммейкеров.
Ну и раз уж мы заговорили о цветокоррекции, давайте быстро пройдем терминологию.
ЦВЕТОКОРРЕКЦИЯ — процесс, при котором каждый клип вручную корректируется, для получения хорошей экспозиции и баланса света. Каждый клип корректируется, чтобы цветовая температура (баланс белого) совпадала с определенной для этой сцены. Этот утомительный и механический процесс является основой и единственным путем создать что-то более художественное.
Использование приборов (Waveform, Vectroscope, Parade) критически важно для этого этапа. К счастью, большинство монтажных программ и программ для цветокоррекции имеют встроенные приборы. Без них вы буквально летите вслепую и принимаете решения на глаз, на который влияет освещение в комнате, усталость, неоткалиброванный монитор и другие факторы. Доверяйте приборам и пусть они руководят вами в принятии точных решений.
ГРЕЙДИНГ — это творческий процесс, при котором решения принимаются для дальнейшего улучшения или закрепления нового визуального тона проекта. Этот процесс включает в себя: внедрение новых цветовых тем, создание нового освещения в кадре, эмуляция внешнего вида из подборки фильмов, цветовые градиенты и множество других вариантов.
На этом этапе все зависит от креативности, нет правильных или неправильных вариантов. Есть только то, что оператор, режиссер и колорист считают подходящим для истории. Это может быть что-то едва уловимое и невидимое или что-то кричащее и супер-стилизованное. В этом и вся сложность. Сложность выбора. Инструменты настолько многочисленны, мощны и часто бесплатны (Davinci Resolve Lite!), что у вас нет оправданий для незнания возможных вариантов.
LIFT-GAMMA-GAIN / SHADOWS-MIDTONES-HILIGHTS / BLACKS-MIDS-WHITES
Есть три названия, которые описывают, над какой частью изображения вы будете работать. Каждая программа используем один из вариантов приведенных выше. По-русски они называются так: Тени-Средние тона-Светлые тона. Называются они по-разному, но по своей сути идентичны. Даже если вы работаете с Уровнями (Levels) или Кривыми (Curves), вы смотрите на числовые значение, которые также имеют три слайдера (как минимум) для корректировки. С этими тремя контроллерами вы можете сделать практически все, что угодно.


В цветокоррекции так много разных элементов, что описать их все в одной статье невозможно. Я бы хотел рассказать основы цветокорреции, которые позволят независимым филммейкерам быть настолько эффективными, насколько это возможно. Я хочу поблагодарить Michael Evanet, режиссера “HWY” за то, что он позволил мне поделиться его видеозаписями в этом блоге. Я только закончил монтировать и красить его фильм.
СОВЕТ №1 — СНИМАЙТЕ ПЛОСКОЕ ИЗОБРАЖЕНИЕ ИЛИ СНИМАЙТЕ В RAW
Проведя широкое исследование с тестами разных доступных профайлов, я выяснил, что использование плоского профайла (профайла, в котором резкость, контраст и насыщенность цвета сведены к минимуму) позволит вам запечатлеть гораздо больше информации с помощью камеры. Когда я снимаю на Canon 5D MKII, я люблю использовать профайлы Technicolor Cinestyle или Canon Neutral с минимальными значениями резкости и контраста. Я также тестировал профайлы Similaar Flaat, которые доступны в четырех разных вариантах.
Компании, изготовляющие камеры, часто предлагают ряд профайлов, которые придают изображению контрастный и богатый вид, но при анализе на мониторе, вы увидите провалы в тенях и пересветы в светлых участках. В этих местах информация потеряна и ее невозможно возвратить. Мы, как филммейкеры, не можем позволить себе ничего терять! Это все равно что включить авто-режим в камере — это рецепт катастрофы. Заводские профайлы созданы для аматоров. Выбросьте их!

СОВЕТ №2 — ДОВЕРЯЙТЕ WAVEFORM, VECTROSCOPE И PARADE
В Premiere клацните по верхнему меню Window/Workspace/Color Correction. Нажмите на маленькую RGB-кнопку справа внизу любого из окон просмотра. Здесь вы увидите перечисленные в названии приборы и кое-что еще. Waveform=Яркость, Vectroscope=Цветность, Parade=значения Красного, Зеленого и Синего. Не могу выразить, насколько важно использовать эти инструменты. Как только вы начнете использовать эти приборы, у вас появится уверенность в работе над кадрами. И вы будете видеть постоянный визуальный отклик, подтверждающий, что вы принимаете правильные решения.
Я не буду обсуждать с вами вопрос калибровки монитора и скажу только, что понимание и доверие вышеперечисленным приборам даст вам 95% того, что вы хотите. Я запустил четыре полнометражных фильма в прокат, используя только приборы программы Final Cut Pro. Мне было тяжело… но я выжил! Используя Adobe это сделать еще проще.

СОВЕТ №3 — ПОРЯДОК ДЕЙСТВИЙ
Чтобы повысить качество изображения и сохранить как можно больше информации, важно все делать в правильной посследовательности. Так же как вы не станете охлождать торт до того, как его спечете порядок применяемых эффектов очень важен. Я всегда достигал хороших результатов, пользуясь советом Stu Maschwitz’а. Используя следующую очередность в цветокоррекции вы получите наивысшее качество и лучшее взаимодействие эффектов. Не все шаги нужны для каждого кадра, но если вы захотите делать их все, вот их очередность:
1. Удалите артефакты и шумы.
2. Сбалансируйте ваш кадр, корректируя Тени/Средние тона/Светлые тона, Цветность и Баланс белого.
3. Добавьте освещение, используя окна или маски.
4. Добавьте градиенты, размытие и другие фотофильтры.
5. Добавьте виньетку.
6. Сделайте грейдинг.
7. Добавьте киношный вид на ваш выбор.
8. Измените размер и добавьте резкости.

СОВЕТ №4 — ЭФФЕКТ FAST COLOR CORRECT В PREMIERE 32-БИТНЫЙ, ПРОСТОЙ И ЭФФЕКТИВНЫЙ
Этот видео эффект отличная стартовая точка для работы над любым кадром. Этот эффект позволит вам в реальном времени корректировать уровни, насыщенность цвета, тонировку изображения, баланс белого и многое другое. Кадр внизу показывает, как я добавил контраст, поднимая слайдер входного черного (input black) и опуская слайдер входного белого (input white). Я использовал цветовое колесо и потянул ближе к оранжевому, чтобы компенсировать синий цвет в оригинальном изображении. Вы можете также использовать пипетку Баланса белого, чтобы достичь правильной начальной точки… но мне захотелось здесь тонировать все изображение оранжевым, чтобы достичь эффект фильма 1950-ых. Я увеличил насыщенность цвета (saturation) на 40%, чтобы изображение заиграло. И наконец, я добавил маску, имитирующую соотношение сторон кадра 2,35 как Синемаскоп.

СОВЕТ №5 — СПЕРВА КОРРЕКТИРУЙТЕ ТЕНИ (LIFT/SHADOWS/BLACKS)
Корректируя в первую очередь тени, вы даете базовую линию, для баланса картинки. Я люблю работать снизу вверх и опускаю тени практически до 0IRE по Waveform. Затем я поднимаю светлые тона, чтобы расширить диапазон и придать контраста изображению. Последним я корректирую Средние тона. Вы обнаружите, что двигание Теней или Светлых тонов вверх или вниз будет влиять на все изображение в Waveform, поэтому не переделывайте заново одну и ту же работу. Регулировка же Средних тонов незначительно влияет на Тени и Светлые тона, поэтому над ними нужно работать в последнюю очередь.
И последнее, если вы поднимаете Средние тона, вы потеряете насыщенность цвета, поэтому компенсируйте ее, накрутив Насыщенность цвета (Saturation), чтобы цвета были красивыми.

СОВЕТ №6 — В СРЕДНИХ ТОНАХ ЖИВУТ ЛИЦА
В средних тонах находится тон кожи, и вы можете подсветить лица, поднимая средние тона, после того, как вы сбалансировали изображение. Иногда кажется более простым поднять Экспозицию (Exposure) в Premiere или After Effect, чтобы поднять яркость лиц в сцене… но экспозиция поднимает одинаково все тона и это будет не так же эффективно, как если бы вы корректировали отдельно 3 зоны. Хорошее значение IRE для лица в хорошей экспозиции 60-70 IRE в Waveform. Если вы задерете Средние тона слишком сильно, вы выпустите зверя по имени Цифровые шумы. Поэтому пользуйтесь осторожно!

СОВЕТ №7 — СЛЕДИТЕ ЗА ЛИНИЕЙ КОЖИ ПО VECTROSCOPE
Так вы увидите, как далеко от идеала у вас тон кожи. В эффекте 3-Way Color Corrector или в плагинах типа Colorista, вы можете изменить специфическую зону цвета, где находится тон кожи. Корректируя цвет в цветовом колесе Средних тонов вы можете найти подходящий оттенок лица, который нужно установить. Двигайте колесо в направлении того цвета, который вам нужен больше на лице. Следите как двигается секции с тоном кожи, пока она не поравняется с линией кожи.
Интересно то, что Линия кожи одинакова для всех рас и оттенков кожи. У нас у всех один и тот же пигмент, который сочетает в себе различные цвета кожи. Правильный баланс белого, сделанный ранее, делает этот этап не обязательным, но по прежнему важным. Никто не любит розовые, красные или зеленые лица. Насыщенность цвета должна выбираться такой, чтобы придать тону кожи природный вид. Вот отличный пример тонкой и явной корректировки тона кожи для сравнения. Дело не в том, что правильно, а что нет. Дело в том, как это чувствуется.


Надеюсь, я смог дать вам немного полезных знаний основы цветокоррекции, и хоть чему-нибудь вы научились. Есть бесконечное число путей подхода к Цветокоррекции и лучший из них… нет, лучших путей нет. Вам не нужен каждый плагин, известный человечеству, 4к проектор и контрольная поверхность для цветокоррекции за 20 тыс. дол.. Все, что вам нужно — это время, простейшие эффекты и чувство прекрасного. Свободно экспериментируйте. То, что выглядит ошибкой в одном кадре, может стать секретным соусом, необходимым для абсолютно другого кадра. Экспериментируйте и наслаждайтесь!